Закусочная Алексея Калугина

К сожалению, это всего лишь EP. На котором выпущены четыре трека, записанные в 2013-м году, но не вошедшие на эпохальны диск «13». Однако, материал на этой маленькой пластиночке настолько хорош, что ее никак нельзя обойти вниманием. Представленные на ней треки — вовсе не мусор, который некуда было приткнуть. Это все тот же тяжелый, тягучий, фирменный «саббатовский» хард, что был представлен и на полноформатном альбоме. Причина же, по которой они не попали на основной альбом, очень проста. Четыре трека с мини-альбома не столь загробно мрачны, как материал, представленный на диске «13». Музыканты, даже те, что играют в культовых группах, вроде

«Black Sabbath», они ведь тоже живые люди. И им тоже порой хочется пошутить. И над собой, и над слушателями. Песни с EP «The End» по форме своей абсолютно соответствуют апокалипсическому настрою всего творчества группы. Да и названия соответствующие; «Season Of The Dead», «Cry All Night», «Take Me Home», «Isolated Man». Однако все они настолько искусно прошиты нитью тончайшей самоиронии, главным образом, музыкальной, что, слушая их, просто невозможно удержаться от улыбки. Первые два трека «Season Of The Dead», «Cry All Night», длящиеся по 7 с лишним минут каждый, дают вполне наглядное представление, что бы обернулась затея «Black Sabbath» записать рок-оперу. Ну, а испанская гитара, которая, лихо перехватывая инициативу у Оззи, внезапно вклинивается в убийственно-мрачный саунд композиции «Take Me Home» и накладывается на предельно зафузованную «саббатовскую» гитару — это просто высший класс!

Одно лишь настораживает — название EP-ишки. «The End» — это конец диска «13»? Или же вообще всему конец?

«Гамлет», «Ричард 3-й», «Король Лир», ну и, разумеется, «Макбет» — пьесы абсолютно беспроигрышные для кинематографа. Уже хотя бы потому, что их героев можно нарядить в костюмы любых эпох и отправить в какую угодно страну — в любом случае эффект будет, как от пригоршни сильнодействующих психотропных таблеток. В какую сторону поведет, сразу не угадаешь. Но то, что торкнет — это уж непременно.

Пьесы Шекспира, особенно драмы, обладают каким-то удиви тельным, фантастическим свойством входить в жизнь людей, как раскаленный нож в масло, чтобы потом остаться навсегда. Потому, что они вовсе не о королях, принцах и маврах, а о нас. Обо всех вместе и о каждом в отдельности. Поэтому совсем не удивительно, что по данным «Кинопоиска» Уильям Шекспир является «сценаристом» 928 фильмов.

Впервые пьеса «Макбет» была перенесена на экран в 1898 году. С тех пор по ней было снято около 60 фильмов. Образ Макбета воплощали в жизнь величайшие артисты. А сам Макбет кем только не становился за это время. От гангстера в 1955-м до мясника в 2005-м. А в 2001-м была снята комедийная версия «Макбета».

Последнюю на сегодняшний момент версию бессмертной шекспировской пьесы снял Джастин Курзель, до этого отметившийся двумя полнометражными фильмами, названия которых если кто когда и знал, то давно уже забыл. Но в «Макбете» Курзель показал себя недюжинным постановщиком. Он решил продемонстрировать зрителям классическую версию «Макбета», максимально соответствующую историческим реалиям. Мрачные, затянутые густым туманом пейзажи Шотландии идеально соответствуют кровавых событиям старины глубокой. В таких местах ни чуть не удивительно встретить убийцу м кинжалом или ведьм, варящих в котле свое зелье. А каждый шаг по вязкой, расползающейся под ногами грязи будто затягивает героев в бездну безумия, приближая тем самым кровавую развязку.

Под стать операторской работе и музыка Джеда Курзеля, постоянно нагнетающая и без того мрачную атмосферу, более соответствующую готическому роману, нежели исторической драме. Также в активе у режиссера блестящий актерский состав: Майкл Фассбендер, Марион Котийяр, Дэвид Тьюдис, Пэдди Консидайн, Шон Харрис.

Особо следует отметить то, как остроумно подошел режиссер к съемкам батальных сцен. Вместо того, чтобы собирать массовку и устраивать показательную резню, он все боевые сцены снял в комиксной манере, примерно так, как это было сделано в фильме «зоо спартанцев». При том, что весь остальной фильм снят в абсолютно реалистичной, если не сказать более — натуралистичной манере, отдельные «комиксные» вставки оказались вполне уместными, подчеркивая своим появлением тот факт, что история «Макбета все же является достаточно условно исторической.

Одним словом, «Макбет» Курзеля с Майклом Фассбендером — это что-то вроде «Гамлета» Дзефирелли с Мэлом Гибсоном. Для тех, кто по какой-то причине еще не знаком с великой пьесой Шекспира, настолько зловещей, что театральные актеры никогда не произносят ее истинное название, называя ее просто «шотландской пьесой», фильм Курзеля отличный повод для знакомства.

Постановка Курзеля, несомненно, займет достойное место в бесконечной киношекспириаде. А, между тем, в этом году готовятся к выпуску еще три (!) новые версии «Макбета». Время, что ли, нынче такое? Туман сгустился над Гримпенской трясиной? Или ведьмы снова греют на огне свое ведьмовское варево? Куда ни глянь, неладно что-то в Датском королевстве. Прервалась дней связующая нить… Впрочем, это уже из дугой пьесы.

Новый, четвертый по счету полноформатный диск австралийских рокеров, припрятавших где-то у себя в гараже машину времени и время от времени, в поисках вдохновения, совершающих вояжи в 60-е годы. Диапазон их творческих интересов простирается от  ранних «Uriah Heep» до столь же ранних «Jefferson Airplanе». Хотя, все же, сильнее всего ребят из «Wolfmother» тянет в сторону чего-то фундаментально-тяжелого, вроде «Led Zeppelin», «Atomic Rooster», «Black Sabbath». С напористым ритмом,  резкой, зафузованной гитарой, мощными ударными и вокалом а-ля Оззи Осборн образца 60-х. Для фанатов жанра диск «Victorious» — как широко распахнутое окно в прошлое. Которое, оказывается, очень даже можно вернуть.
Да, конечно, винтажный саунд нынче в моде. Но, одно дело слепо следовать моде и совсем другое — делать то,  к чему ведет тебя твой Путь. Слушателя не обманешь.

Фильм удивительный в своей никчемности и нелепости. Не могу взять в толк, чем история Далтона Трамбо привлекла голливудских продюсеров? И чем она могла увлечь отечественных зрителей, повсюду лепящих фильму оценки не меньше «7»?

В 40-х годах прошлого века Далтон Трамбо был одним из востребованных и высокооплачиваемых голливудских сценаристов. А кроме того, он был членом коммунистической партии. Наверное, прикольно быть коммунистом, получая ломовые гонорары, живя в собственном доме, катаясь на дорогой машине, да и вообще ни в чем себе не отказывая. А по вечерам за бокалом отличного виски грезя о светлом будущем всего человечества. Но Трамбо видимо забыл, а может и вовсе не знал очень правильное и точное высказывание: «Политические убеждения — это как гениталии. Замечательно, что они у вас есть, вот только не надо всем их демонстрировать.» Именно этим Трамбо и занимается практически весь фильм. Ходит, зажав длинную сигарету в тонких пальцах и с гордым видом заявляет всякому встречном: «А вы знаете, я — коммунист!» А после этого он столь же неискренне начинает удивляться, почему это никто не желает с ним сотрудничать? А кто-то даже руку не подает.

Во времена маккартизма многие деятели искусства были голословно обвинены в симпатии к коммунистам и лишены возможности работать по профессии. Но Трамбо как раз не из таких. Во-первых, он действительно был членом коммунистической партии, во-вторых, что называется, сам нарывался. Ну и нарвался в конце концов на 11 месяцев тюрьмы. А, отмотав срок, умотал в Мексику. (Странно, почему в Мекскику, а не в Советский Союз?). После чего продолжил писать сценарии для Голливуда под псевдонимом.

Самое удивительное то, что сценарий фильма выстроен таким образом, что предлагает зрителю как бы встать на позицию Далтона Трамбо и взглянуть на ситуацию с его точки зрения: «Я никому не желаю зла! Я хороший, честный человек. И мне даже нравится жить в вашем проклятом буржуинстве. Но я искренне уверен в том, что коммунизм — это наилучший из всех возможных миропорядков. И плевать мне на то, что Оруэлл написал — я и сам писатель. Так за что же вы меня не любите? И почему не даете возможность зарабатывать мои любимые баксы?» Таким образом, режиссер пытается изобразить Трамбо невинной жертвой. При этом делая вид, что он (режиссер) совершенно не в курсе преступлений всех когда-либо существовавших и поныне существующих коммунистических режимов. То есть, оправдывая Трамбо, он тем самым оправдывает коммунизм. Но делает это как-то совершенно неумело. Фигура Трамбо не вызывает ни малейшего сочувствия. Он даже не смешон, а омерзителен в своем желании быть коммунистом, но жить при этом, пользуясь всеми благами презренного капитализма, пока он еще не разрушен до основания.

Одним словом, фильм — полнейшая дичь и дурь. Все в нем настолько глупо и нелепо, что трудно даже себе вообразить. И даже такие замечательные актеры, как Дайан Лейн, Хелен Миррен и Джон Гудмен, похожи в нем на несмешных клоунов.

Все более или менее становится на свои места, когда узнаешь, что режиссером фильма является Джей Роуч, на чьем счету длинная череда супертупых комедиях: «Остин Пауэрс», «Знакомство с Факерам» и «Ужин с придурками». «Трамбо» очень хорошо укладывается в эту плеяду фильмов о придурках. Вот, только тем, кому довелось пожить в стране, о которой грезил Трамбо, смотреть на все это совсем не смешно.

Да, кстати, а вот это настоящий Далтон Трамбо:

Увы, все мы смертны. Как не прискорбно признавать, но это факт, от  которого никуда не деться и не отмахнуться. Смерть — не трагедия, а закономерный итог жизни. Поэтому перед всяким здравомыслящим человеком, пока он жив, стоят две задачи: 1. Постараться получить от этой жизни максимум удовольствия; и 2. Постараться сделать в этой жизни  что-то, что  переживет тебя хотя бы лет на сто. Так, что дети уже не в счет. Дерево — мысль хорошая. Пару, тройку веков назад — просто отличная.  Но в наше время и деревья не вечны.  В наше время мысль и слово живут зачастую дольше, чем дерево, камень и кирпич. И, что бы ни случилось на этой странной планет, с нами навсегда останутся «Одиссея» Гомера, «Гамлет» Шекспира, «Мертвые души» Гоголя, «Процесс» Кафки, «451 градус» Брэдбери, «Улисс» Джойса, «Алиса» Кэрролла… Бесконечный список мастеров мысли и слова. Который уже невозможно представит себе без «Имени розы» и «Маятника Фуко».  Воистину велик человек, способный заставить свой голос звучать даже после смерти. В этом и заключается великая магия жизни.

Группа Franz Ferdinand вполне себе самодостаточная и стабильная. С собственным, неповторимым лицом и ни у кого не заимствованной стилистикой. За более чем десятилетнюю карьеру ни одного провала — это надо постараться. Ну, и, видно, скучно стало парням от такой стабильности. «Как это так, у других взлеты и падения, а мы, как вышли на плато, так и прем по нему вперед? Не порядок!» Если не это, так что еще могло заставить их связаться с давно уже вышедшими в тираж пенсионерами из коллектива Sparks, которые и в лучшие свои времена, когда расцветали пышным цветом диско и новая волна, пользовались популярностью только среди наименее продвинутых слушателей, для которых реперными точками служили группа Space и Supermax? Результатом этой коллаборации стал диск «F.F.S.», вобравший в себя полтора десятка от рождения замшелых хитов, вряд ли снискавших популярными даже в пору расцвета конкурса в Сан-Ремо. Кого сегодня это может заинтересовать, вот, честное слово, ума не приложу. Все композиции на диске звучат скучно, вымученно, тяжеловесно и, я бы даже сказал, как-то совершенно противоестественно. Ну, не имеет такая бессмысленная по сути своей музыка права на существования! Единственная песня, которая хоть как-то выделяется на общем убогом фоне, по иронии судьбы носит весьма многозначительное название «Collaborations Don’t Work». Зато Franz Ferdinand наконец-то заполучили в свою дискографию абсолютно провальный диск. После которого, хочется верить, последует новый взлет.

В прошлом году только и разговоров было, что о диске «Muse» — «Drones». Что и говорить, диск получился отменный. Однако, назвать его рок-оперой можно было лишь по первому впечатлению, к тому же, на безрыбье последних лет в этой области. Все же, есть определенное различие между концептуальным альбомом, каковым, по сути, являлся «Drones», и истинной рок-оперой. Если первое — это набор композиции, подчиненных одной идее и расставленных в определенной последовательности, то вторая — это строгая музыкальная форма, подразумевающая наличие единого произведения, лишь в целости раскрывающееся во всей своей красоте. Что такое истинная рок-опера, продемонстрировали «Dream Theater», выпустив двойной альбом «The Astonishing».

На новом альбоме «Dream Theater» ушли в прежде неведомую для себя эпичность. Звучание группы заметно смягчилось. Упор сделан не на скоростные гитарные проходы и пулеметную дробь ударных, а на арт-роковый мелодизм, изысканность аранжировок и даже, не побоюсь этого слова, помпезность. Ведущая роль на этот раз отведена клавишным. Тут же заняли причитающиеся им места и симфонический оркестр, и хор, и даже волынки. Все это использовано с размахом, но, что самое главное, с умом и толком. Ну, а техническая сторона записи у «Dream Theater» всегда была на высоте. Чтобы получить истинное удовольствие, нужно выбрать два часа свободного времени и слушать это от начала до конца, не отрываясь.

Вообще, при прослушивании «The Astonishing» возникает странное ощущение ностальгии, смешанного с легким дежа-вю. «Dream Theater» звучат так, как если бы записывали свой альбом где-нибудь в конце 70-х. Типичные для самих «Dream Theater» мотивы и музыкальные ходы встречаются крайне редко. Зато очень много отсылок к творчеству великих групп достигших своего пика именно на пороге 80-х. Так, что, в целом, «The Astonishing» похож на некий оммаж прог-року 70-х, принесенный великой группой уже третьего тысячелетия. Очень сильная, яркая и в высшей степени достойная работа великих мастеров.

Много я видел разных фильмов. Глупых и бестолковых, тупых и бездарных, бессмысленных, фильмов без героев и фильмов ни о чем. Но безумного бреда, подобного тому, что демонстрирует фильм «Лобстер» я еще ни разу не видел. Именно поэтому фильм удостоился этой заметки. Смотреть же его я категорически не рекомендую.

В общем, так. В некой неназываемой, но явно европейской стране существует следующее правило: человек, по какой-либо причине оставшийся один, то бишь, без пары (гомосексуальные пары, разумеется, также считаются парами), отправляется в некий отель. Где он (или она) должен (должна) найти себе пару. В течение сорока дней. Однополые пары не возбраняются. Если по истечению сорока дне человек так и остается одиноким, его, путем какой-то замысловатой операции, превращают в животное, которое он сам предварительно выбирает. Животное выпускается на свободу, где его может съесть другое животное или подстрелить охотник. Надо сказать, что правила в отеле определенно фашистские. Все одеты в одинаковую одежду, выполняют один и тот же строгий распорядок дня. Им показывают какие-то дурацкие агитки про пользу парного существования. А, например, за мастурбацию наказывают тем, что засовывают руку провинившегося во включенный тостер.

В то ж время в лесах вокруг отеля обитают дикие одиночки — те, кто по каким-то там принципиальным мотивам не желает иметь пару.   Почему они живут именно в этом лесу, а не уйдут в лес подальше, не поднимутся в горы или попросту не переселятся куда-нибудь в город — не объясняется. Видимо, потому, что объяснению не поддается. Просто так был задумано. Потому, что на одиночек охотятся обитатели отеля с ружьями, заряженными стрелами с транквилизатором. За каждого подстреленного одиночку, обитатель отеля получает дополнительный день жизни.

Первую половину фильма мы смотрим на то, как герой по имени Дэвид (Колин Фаррелл) живет, или, может быть, лучше сказать, влачит какое-то жалкое существование в стенах отеля. На сороковой день он вдруг понимает, что не хочет становиться лобстером, которого изначально выбрал для себя, и убегает к диким одиночкам. Которые оказываются такими же больными на всю голову, как и обитатели отеля. Так, например, они наказывают женщину, положившую глаз на мужчину, тем, что ослепляют ее. В клинике, у хорошего врача. Так что, вторую половину фильма Дэвид влачит не менее жалкое существование и подвергается всевозможным унижениям уже в лесу, среди одиночек. В конце фильма он, в знак солидарности с ослепленной женщиной, выкалывает себе глаз. С полного ее ободрения и согласия, межуд прочим. На этой душераздирающей сцене фильм заканчивается.

Фильм создавался при участии доброго десятка европейских стран. Снял его греческий режиссер Йоргос Лантимос — я навсегда запомнил это имя. Помимо уже названного Колина Фаррелла , в нем отметились такие известные актеры, как Рейчел Вайс, Леа Сейду, Джон Си Райли. И все они, как будто, даже старались. Но, не смотря на все их старания, фильм не вызывает никаких эмоций, кроме недоумения: а что, собственно, это было? Усмотреть хоть какую-то идею в фильме, не смотря на все старания, мне тоже не удалось. Такое впечатление, что куча народу собрались вместе, надыбали где-то 4 лимона евро и сняли этот фильм с единственно целью — поиздеваться надо мной.

Однако, вопреки здравому смыслу, в прошлом году «Лобстер» получил сразу аж три премии в Каннах: Приз жюри, Квир-Пальмовую ветвь за освещение ЛГБТ-тесы в кино и Премию пальмовой собаки — за гуманное отношение к собакам. С последним я согласен — весь фильм собака, бывшая некогда братом Дэвида, тихо лежала в углу. А Европейская киноакадемия присудила «Лобстеру» две премии: за костюмы (все герои одеты одинаково!) и за сценарий (ну, если называть бред больного сценарием…). В этом году «Лобстер» так же уже номинирован на премию Британской академии за самый выдающийся британский фильм года (Британия тоже поучаствовала в создании этого киношедевра).

Так что, может быть, на самом деле, это я заблуждаюсь. И фильм «Лобстер» — лучший фильм всех времен и народов. В конце концов, я ведь не кинокритик, а обычный зритель, для которого главное — чтобы фильм понравился.